Tras todos mis años de experiencia como profesora de canto, ahora quiero comentar algunas de las dificultades más frecuentes que han tenido y/o tienen mis alumnos al cantar, y mis experiencias sobre cómo les he podido ayudar.
Aprender a cantar: la experiencia de Elisa
Mi viaje con el canto comienza de pequeña cuando intentaba imitar a las grandes voces que oía en casa. En esa época no sabia que existía algo llamado técnica vocal y copiar era algo que me resultaba fácil y divertido. Gracias a todas las cosas que aprendí durante estos años creo casi necesario, acercar niños y niñas a la música ya en la infancia. A día de hoy podría considerarme una cantante polifacética ya que con los años he podido desarrollarme en varios estilos como: funky, blues, soul, R’n’B, pop, rock…
Empezando a conocer mi voz
Cuando empecé primaria, a los seis años, entré en el coro de la escuela y estuve los cinco años que duraba la etapa escolar. Por aquel entonces cantaba con los contraltos, aunque con el tiempo descubrí que era soprano. En ese coro, como en muchos de los coros en los que participé a lo largo de los años, aprendí a controlar el volumen de mi voz, la armonía y a “disociar” ya que el estar en un coro te obliga a separar más aún los sonidos y las varias voces.
Una de las cosas más complicadas de aprender a cantar es el hecho de que es un instrumento, aunque sea cómodo porque lo llevamos incorporado, no se puede ver. Por eso muchas veces es difícil explicar y entender con exactitud lo que nos pasa por dentro mientras la ejercitamos. Así que hay que intentar ser conscientes lo máximo posible, sobre el propio cuerpo, conocerse, aprender anatomía y el funcionamiento del aparato fonador.
Normalmente acabamos perdiendo la habilidad de respirar bien y sentir todos los músculos involucrados en ella, algo que puede cambiar con un buen profesional de la voz y trabajo.
Técnica vocal: Las claves en mi aprendizaje
Una de las cosas más importantes cuando se quiere aprender a cantar, es la respiración. Algo que parece básico y hasta natural pero que como casi toda tarea diaria acabamos por no prestarle atención. Ya sea por malos hábitos o simplemente, por imitar a otros. Normalmente acabamos perdiendo la habilidad de respirar bien y sentir todos los músculos involucrados en ella, algo que puede cambiar con un buen profesional de la voz y trabajo.
La respiración
En mi caso, empecé a tomar clases particulares de canto lírico en Italia. Por suerte tenía la buena costumbre de respirar por la nariz y no por la boca (un error muy común). Lo primero que aprendí fue a no subir los hombros al inhalar y a abrir bien las costillas, es decir, mantener una buena colocación del tronco intentando expandir la caja torácica todo lo posible a la vez. De este modo estaremos dando el apoyo necesario a la hora de cantar y tendremos nuestra máxima capacidad de aire a disposición.
Otra cosa que aprendí fueron las diferentes colocaciones según los diferentes géneros musicales.
Soltura y seguridad en el escenario
Cuando llegué a España empecé a estudiar una carrera de Artes Escénicas y el camino a seguir fue diferente ya que las clases los primeros dos años fueron grupales y el último particulares. El enfoque no sólo era distinto a nivel pedagógico, sino también el estilo encontrado y lo que más pude sacar además de mantener la técnica aprendida previamente, fue soltura en el escenario y seguridad.
Ahora de vuelta a clases particulares, tras un tiempo sin estar acompañada por un/a profesor/a y también con la edad, puedo decir que la técnica aprendida con los años aunque se pierda, deja huella. Ya se sabe que los músculos tienen memoria y de vez en cuando está bien entrenarlos y ponerles a prueba de nuevo. Muchas veces cuesta relajarlos pero a la hora de cantar es muy importante no estar tensa/o.
La elasticidad de la voz
Estoy aprendiendo a que no solo hay que entrenar más sino que es más fácil y cómodo cantar con menos fuerza de lo que parece. El aprendizaje de la técnica vocal (y/o la vocalización) hace que la elasticidad de la voz mejore para poder cantar tonos más agudos y más bajos. Cuanto más y mejor se trabaje, mejor se mantiene. Es un trabajo largo, con muchisimos más matices que algunos de los mencionados, pero lleno de satisfacciones. Algo muy curioso que he descubierto últimamente es la importancia de la boca, cómo la movemos y cómo la tensamos a veces sin darnos cuenta.
También he descubierto lo mucho que ayuda abrir el pecho, que la mayoría lo dejamos olvidado, pero es de gran ayuda para mejorar la calidad de la voz.
Y bueno, por último nunca olvidemos que si te duele algo al cantar, está mal, que si estás forzando también, cantar tiene que ser fácil, tan fácil como hablar.
¿Quieres escuchar a Elisa?
Si tienes curiosidad por escuchar a Elisa, a continuación puedes verla en un directo y en un estudio.
Cómo saber si tengo un buen profesor de canto
He trabajado durante más de 40 años como profesora de canto. Entre mis alumnos hay cada año algunos que vienen de otros profesores. ¿Qué garantía tiene el estudiante de canto o instrumentista que su aprendizaje es correcto y saludable?
¿Te duele la garganta después la clase? ¿Te duele el hombro después de la clase de guitarra?
¿Cómo puede saber un estudiante si esta aprendiendo bien si nunca ha recibido clases individuales? ¿Puedo confiar en mi profesor? ¿Me está enseñando bien?
EXIGENCIAS
Primero hay que buscar un profesor titulado. También debe tener certificados en diferentes estilos. Saber acompañar y hacer escalas con el piano, saber solfeo y armonía, haber estudiado psicología y pedagogía. Es importante que las clases sean dinámicas. Y para el canto, que las clases sean individuales (si no es conjunto o coro).
Un buen profesor tiene conocimiento en repertorio de distintos géneros y estilos, debe saber varios idiomas. Tener experiencia como profesor con muchos años de enseñanza detrás.
Ser cantante es una profesión artística. La pedagogía y ser profesor es otra profesión.
Las peores profesores son cantantes no activos que dan clases para ocupar su tiempo libre o por necesidad económica. Un cantante profesional da “clases magistrales” y enseña sobre sus experiencias en el escenario.
El canto es uno de los instrumentos más difíciles de enseñar y requiere muchos años de práctica y aprendizaje.
El alumno tiene que observar si avanza en su aprendizaje. Si siente cansancio o dolor en el tracto vocal o en el cuerpo después de la clase, si es así debe buscar otro profesor.
Exige ver el CV del profesor.
MIS EXPERIENCIAS Y INQUIETUDES
Hace poco vino una nueva alumna. Durante el curso pasado se matriculó en canto en una academia en Madrid. Y me cuenta que se sentía muy insatisfecha con el aprendizaje. La profesora la había humillado y fue criticada cada clase. Con una la mala técnica adquirida en la academia perdió el volumen y los tonos agudos. Sentía afonía y cansancio en su voz después las clases. Aguantó el curso pero estaba triste después las clases pero cómo no tenia otras referencias no sabia que hacer, al final las dejó. Ahora canta conmigo y he descubierto que tiene una magnifica voz y ella quiere ser y puede ser cantante de “Comedia Musical.”
Otra alumna que tengo ha pasado por varios profesores intentando buscar la relajación y una buena voz sin éxito. Hemos trabajado durante varios años y ahora tiene un registro más de tres octavas y no siente ninguna tensión. Hemos trabajado mucho la relajación de la laringe, corregido posturas y lo más importante ya tiene un buen apoyo. Como es un cantante profesional ya puede cantar a diario relajada sin sentir cansancio alguno en su voz.
También tengo muchos alumnos que solamente quieren aprender cantar por hobby y diversión. Después de sus trabajos diarios vienen para cantar y relajarse. También hay alumnos que quieren cantar y aprender hablar bien o para quitar su timidez. Después de unas semanas de estudios se sienten más seguros en si mismos y al hablar también.
Me dicen que es más fácil cantar cuando está entendida la técnica vocal. Es cuando han descubierto la conexión entre los músculos de apoyo y la relajación. El volumen debe salir con la energía que te da un buen apoyo, no con el volumen de la garganta.
Lo más frecuente entre mis alumnos son los que cantan sin haber recibido clases. Después un tiempo de cantar tienen dolor en el tracto vocal y se cansan al cantar. Les enseño una buena respiración para poder relajar la laringe. Aprenden vocalizar para tener más registro y fuerza en la voz. Estudian dinámica y expresión para poder cantar y ser escuchados mejor.
Normalmente no se nace con una buena voz. Se hace con un arduo y constante trabajo.
Digo como Miles Davis, «La música debe ser SUAVE PERO INTENSA.»
Hasta pronto
Marianne
Nuevos talleres de técinica vocal e interpretación en el Jazz
A partir de marzo impartiré junto con la cantante de jazz Belén Gómez, nuevos talleres de técnica vocal orientados a la voz moderna.
Los talleres se desarrollarán a lo largo 5 fines de semana en Madrid.
A continuación os dejo toda la información.
Espero veros allí, será muy entretenido y didáctico.
WORKSHOPS TÉCNICA VOCAL E IMPROVISACIÓN EN EL JAZZ
Dirigido a cantantes principiantes o avanzados que quieran entender y mejorar el conocimiento y expresión de su voz y las diferentes corrientes técnicas de la voz moderna, la calidad de su sonido, desarrollar sus registros y trabajar la improvisación en el jazz comprendiendo su función, qué se está haciendo y por qué y desarrollando el equilibrio en nuestro discurso, comprendiendo así mismo el discurso de otros músicos.
Los talleres se desarrollan en cinco sesiones de un fin de semana cada uno. Pueden abordarse por completo o escogiendo separadamente aquellos que se ajusten a tus necesidades.
- Anatomía, función y uso de los distintos niveles de la fonación. Respiración, relajación, fonación, proyección.
- Tipos de técnicas en la voz cantada.
- Expresividad y articulación. Recursos fonéticos y técnicos en tu propia voz natural.
- Mejora y ampliación del rango vocal. Amplitud, seguridad, fuerza y resistencia de la voz para toda la vida.
- Dinámicas. Cada voz es única. Trabajo de recursos propios de tu voz en la práctica.
- ¿Qué es la improvisación en el jazz? Trabajo de los fundamentos para comenzar a improvisar o llevar nuestra improvisación a niveles más profundos y conscientes.
- Repertorio y audición.
- Abordar aspectos teóricos. Comprenderlos y trabajarlos para su interiorización en la práctica.
- Práctica: la realidad del cantante.
- Aprender a diferenciar y cantar cada estilo y cada lenguaje dentro del jazz.
- Entender el lenguaje y profundizar en el mismo. Comprender a otros músicos y analizar su discurso.
CONTENIDO DE LOS TALLERES
- PRIMERO: 5 y 6 de Marzo.
- Anatomía de la voz. Respiración y relajación laríngea. Localizar y evitar tensiones en el tracto bucal.
- Bues (mayor). Estructura, explicación desarrollo y lenguaje. La importancia del rimto.
- SEGUNDO: 2 y 3 de Abril.
- Resonancia y sonido. Encontrar la propia voz. Naturalidad en el color y la expresión.
- II/V/I mayores. Introducción a los modos griegos. Trabajo en profundidad. El atresillamiento en el swing, qué es y como trabajarlo. Repertorio.
- TERCERO: 30 de Abril- 1 de Mayo.
- Fonación. Tipos de técnicas y su ajecucuón. La propia voz natural.
- Notas de aproximación y de paso. Cómo usarlas y como trabajarlas. La tonalidad menor. Escalas.
- CUARTO: 4 y 5 de Junio.
- Entonación y dinámicas. Expresividad y articulación en la voz.
- Progresiones típicas diatónicas. Trabajo sobre su contorno armónico y profundización. Sustituciones típicas. La tonalidad menor y sus escalas. Introducción al II/V/I menor.
- QUINTO: 2 y 3 de Julio.
- Dicción. Trabajo guiado de todo lo aprendido sobre el repertorio de final de curso. Audición.
- Turnarounds y vamps. Progresiones típicas no diatónicas.
- DE CARA A PRÓXIMOS CURSOS MÁS AVANZADOS: Iniciación al Rhythm Changes y Parker blues.
FECHAS Y HORARIOS:
Primer fin de semana de cada mes de Febrero a Julio, ambos incluidos.
Sábados 11-18 hora (con descanso para comer) Domingos 11-15 horas).
Un total de 10 horas cada fin de semana.
PRECIOS:
100 € un fin de semana.(10€/hora) .
Los participantes que participen en todos los workshops tienes un descuento co un 15% y un certificado al final del curso.
LUGAR: Madrid centro. Estudio Max
Se admite un total de 12 Participantes.
Para registrarse enviar una solicitud a marianne_ax@msn.com o belengomezmusica@gmail.com
Para mas información visita nuestros blogs www.marianneax.com
Ultimo día para registrarse es una semana antes de cada workshop.
Pagos a realizar: tiempo límite, 3 días antes de cada workshop.
BELÉN GÓMEZ
Cantante, autora y pianista, especializada en música negra. Licenciada en Canto Jazz por el Conservatorio Superior de Música de Navarra. Profesora de canto y práctica escénica en la Escuela de Música Creativa (Madrid). Formadora para profesores de música en la introducción al jazz y la improvisación de su programa propio “El Jazz en el aula”. Profesora de los niveles Jazz 1 y 2 (dentro del programa de créditos universitarios de la Universidad Camilo José Cela), armonía, improvisación y piano complementario en el Laboratorio de la Voz (Jorge Javier Vázquez, Tele 5). Ganadora de los premios a la mejor artista (Premios Yuglo 2008) y Mujeres del Planeta Jazz (Paco Ortega, Teatro Lara de Madrid). Colaboradora como cantante, arreglista y directora de coro tanto en estudio como en directo para artistas o corporaciones como Walt Disney (Johnny y las Hadas, Hanna Montana, etc), Movistar, Visa, Rosana, Presuntos Implicados (teclados y coros en “Será”, nominado al Grammy 2009), Camilo Sesto, Pecos, etc. Autora íntegra de sus dos discos de soul y jazz respectivamente (“Belén Blu” y “Natural”, Youkali Music).
Otoño – Nuevos cursos para coros
Comienza un nuevo trimestre y con él, nuevos cursos para coros interesados en mejorar la técnica vocal.
INTRODUCCIÓN
El por qué es necesaria la técnica vocal cuando cantamos en coro.
EL INSTRUMENTO VOCAL
- Estudiar la descripción y el funcionamiento del aparato fonatorio.
- Aprender a respirar con control.
- La importancia de tener un buen apoyo muscular.
- Estudiar las posturas corporales correctas.
PRÁCTICAS DE VOCALIZACIÓN EN GRUPO
- Ejercicios cantados para mejorar la resonancia, la dinámica y la expresión.
- Cantar escalas con vocales y consonantes.
- La importancia de la afinación y una correcta vibración en coro.
- (Consejos para planificar un ensayo) Optativo.
Se cambia la dificultad de los ejercicios según el nivel del coro.
Duración del taller 6 horas totales,
Dividido en dos ensayos de 3 horas.
Precio a convenir dependiendo el numero de participantes.
Tlfno: 680 85 18 95
email: marianneax@msn.com
ALGUNOS PARTICIPANTES OPINAN:
«Creo que el curso es dinámico y entretenido. Mis expectativas se cumplieron y fue de provecho. Las explicaciones son interesantes y útiles pero claro, la práctica es imprescindible. Lo ideal sería poder tener una sesión periódica, aunque fuese una hora cada 15 días. Supongo que también depende del número de participantes para poder pararse un poquito en cada uno.»
Mª Eugenia Valentín
«Para mi, ha sido una experiencia fantástica, he reído y aprendido. Marianne es una persona simpática, jovial y hace que todas las respiraciones sean o parezcan fáciles.»
Mayte Jabon Losada
«Me gusto la teoría, que te ayuda , la práctica me pareció importantísima y es donde veo que faltó tiempo éramos muchos y cada uno requiere un tiempo.
Lo mismo me pasó con los ejercicios de respiración tan importantes , como muy bien nos dijiste.
Resumiendo me dejaste con la miel en la boca es decir me sirvió como una presentación de lo que es recibir clase de canto pero es un principio. Esto nos dirige ha querer recibir más clases y así nos lo estamos cuestionando mi compañera, que también estuvo allí».
Mª Dolores Sainz Díaz
«El curso respondió a mis expectativas. Como pensé desde el primer momento, sería, y así fue, un curso introductorio a la técnica vocal. En mi caso, sirvió de recordatorio y de refresco a lo aprendido en mi juventud, ya que durante años recibí clases de canto. A los treinta años dejé de cantar por saturación y temas personales y hace dos que estoy en ALMA, coro al que agradezco traerme de vuelta a la música, eso sí de forma muy ligera y tranquila.»
Mercedes Hernández
Curso para coros
Tras ser invitada a impartir un curso para un coro en Madrid, observé que existía un gran interés por conocer mejor la técnica vocal y cómo la podemos aplicar cuando cantamos en coro.
Para esta primavera he desarrollado un programa para coros.
INTRODUCCIÓN
El por qué es necesaria la técnica vocal cuando cantamos en coro.
EL INSTRUMENTO VOCAL
Estudiar la descripción y el funcionamiento del aparato fonatorio.
Aprender a respirar con control.
La importancia de tener un buen apoyo muscular.
Estudiar las posturas corporales correctas.
PRÁCTICAS DE VOCALIZACIÓN EN GRUPO
Ejercicios cantados para mejorar la resonancia, la dinámica y la expresión.
Cantar escalas con vocales y consonantes.
La importancia de la afinación y una correcta vibración en coro.
(Consejos para planificar un ensayo) Optativo.
Se cambia la dificultad de los ejercicios según el nivel del coro.
Duración del taller 6 horas totales,
Dividido en dos ensayos de 3 horas.
Precio a convenir dependiendo el numero de participantes.
Tlfno: 680 85 18 95
email: marianneax@msn.com
La expresividad
LA EXPRESIÓN
He escrito anteriormente sobre la importancia de tener una buena técnica vocal. La expresión en una canción es aún más importante. La técnica sirve para poder avanzar, desarrollar y obtener un sonido óptimo como cantante. La técnica ayuda a expresar algo: una visión o una experiencia. El cantante puede aburrir su público si falta algunos de estos dos componentes.
CÓMO ELEGIR UNA CANCIÓN
El cantante se tiene que fiar de su propio gusto, sus sentimientos y su sensatez. La individualidad es importante para buscar las herramientas justas y reforzar la expresión de una canción. Creer en lo que haces y fiarte de tu intuición. Experimentar y encontrar caminos nuevos para no caer en plagios o estereotipos. Entrena con tu grupo y experimenta con los sonidos deseados por todos los miembros. El cantante hace la elección artística, es decir contar el contenido, la historia y expresar un sentimiento en la canción.
LOS MÉTODOS
Hay varios modelos que un cantante puede usar para lograr la expresividad. Y con resultados muy diferentes:
- Algunos no son conscientes de su expresión.
- Otros cantan por intuición, en el momento, fiándose de su inspiración, lo que puede resultar en conciertos irregulares. Puede que haya días con pocos resultados por falta de inspiración.
- Hay cantantes que tienen sus propios métodos y desarrollan así sus herramientas.
- Por último hay cantantes que mezclan los métodos y con su propia intuición.
Lo mejor es entrenar la expresividad en los ensayos y allí encontrar la expresión deseada.
LA CREDIBILIDAD
El público espera sentir que es parte de una creación. El cantante tiene que transmitir una impresión, un sentimiento para lograr esto. Para no perder el contacto con el púbico el cantante cuenta su historia y usa todo su expresividad.
Si eres principiante te voy a dar unos consejos que puede ayudar sentir la expresión.
ANALIZAR UN TEXTO
- Traducir el texto si está escrito en lengua extranjera. Hay que entender cada palabra y sus significados.
- Qué expresión necesita la canción.
- Personalizar el mensaje de las letras. Hacer un análisis de su significado para ti.
Ej: Puedes preguntarte, sobre el personaje, ¿quién es? ¿qué edad tiene? ¿dónde vive? ¿en qué trabaja? Puedes también preguntarte, ¿qué hace esta figura en la canción, habla, piensa o grita?
¿a quien se dirige? ¿A el mismo, un amigo, la madre, un amante un novio, un niño? ¿qué sentimiento tiene el personaje? ¿está feliz, triste, alegre, enfadado? ¿dónde está el personaje? ¿en la calle, en la cama, en la playa, en el campo? ¿es de noche, por la mañana, en qué estación está: hace calor o frío?
Para hacer un desarrollo más profundo y entrar más en el personaje y dar más sentido a la canción puedes seguir este ejemplo.
El personaje visita a un amigo, intenta mostrar alegría pero en el fondo está triste por una pérdida de un ser querido. Oculta su estado cambiando expresión entre risas y enfado. Luego cuenta la verdad y el amigo intenta consolar el personaje y en seguida se encuentra mejor.
EL TRABAJO DEL CANTANTE
Ahora puedes experimentar, ensayar y buscar los valores y una perfecta expresión para que la canción pueda ser creíble delante del público. Hay que buscar lo siguiente:
- Un sonido óptimo, una tonalidad cómoda, efectos, expresiones y una dinámica.
- Una pronunciación clara de las palabras para ser entendido.
- Experimenta con estas herramientas para crear un ambiente perfecto, sensible y la canción empiece a tener una “vida propia.”Cuando entiendas el por qué elegir justo este sonido, temperamento o tonalidad, será mucho más fácil encontrar la expresividad y la perfección de la canción.
Annie Lennox es un buen ejemplo de una cantante con gran experiencia, lo cuál se refleja en su expresividad y presencia.
LA PREPARACIÓN ANTE UN CONCIERTO
LAS LETRAS DE LAS CANCIONES
Si traducimos y entendemos las letras de las canciones cantamos con más sentimiento y confianza.
Es importante sentir el fraseo, no respirar dentro una frase, si la frase se repite intenta variar la dinámica y ritmo y cambiar el sitio de la respiración.
Para intensificar la modulación de las palabras podemos subrayar las palabras claves (importantes) en el texto, para dar más importancia al contenido. Si pronunciamos más las consonantes en las palabras y sentimos la importancia de un buen fraseo el oyente entiende mejor el texto, y el cantante apoya más sus músculos abdominales.
Si cantamos en otro idioma que el nuestro hay que controlar la dicción.
Memoriza las letras lo antes posible, para que en los ensayos tener mejor concentración, expresión y acompañamiento en la voz.
LA SALA DE ENSAYO
No hay que cantar con plena voz en los ensayos. Intenta conseguir que los músicos toquen con poca fuerza (puede ser conflictivo) para que el cantante no gaste su voz innecesariamente.
Importante: La fuerza no está en el volumen, sino en la intensidad de la energía corporal de los músculos abdominales.
LA PREPARACIÓN DEL CONCIERTO
Ensaya en casa las canciones antes de grabar con los “playbacks” originales que se van a usar en las grabaciones. Entrena delante de un espejo. Graba tu voz y escucha si el resultado es satisfactorio y preguntaa algún amigo si las palabras están bien pronunciadas y si se entienden bien todas las palabras. Si tienes dificultad en frases aisladas, ensaya solo esta parte y no empieces desde el principio siempre que falla algo. Hay que ahorrar voz siempre.
Entrena en periodos cortos. Si nos cansamos, se pierde la concentración y gastamos tiempo y energía porque hay que repetir lo grabado más veces.
Toma pausas regulares, también hay que disfrutar del compañerismo y divertirse cantando. Así conseguimos el mejor resultado.
EL PÚBLICO
También hay que entrenar cómo conectar con el público.
Entrena en los ensayos las posiciones del grupo e imagina dónde está el público, toca y canta hacia ellos. Si el grupo lleva tiempo tocando juntos, intenta variar posiciones y busca nuevas coreografías y movimientos.
Ensaya las presentaciones.
Mientras los músicos tocan sus solos, el cantante se puede retirar un poco, mirarles y marcar el ritmo.
Graba vídeos antes los conciertos para ver si los movimientos están bien.
Todos los movimientos en el escenario tienen que estar bien preparados, hasta que parezcan improvisados.
Aunque tu grupo es nuevo, intenta buscar conciertos lo antes posible en bares o entre los amigos para coger rutina y “feedback” aunque sea sin remuneración. Cuanto más entrenes con público, menos tensiones vas a tener más adelante cuando te enfrentes a una sala de concierto con más público.
EL PÁNICO ESCÉNICO
Los cantantes y artistas también son humanos, parece que a veces el público no lo admite. Algunos artistas sienten un gran obstáculo al entrar en el escenario, por el miedo a ser criticados y comparados. Otros artistas lo ven como algo natural y despreocupante.
El miedo es lo más común. La inseguridad, que si olvido las letras, si canto desafinado, si no llego a las notas agudas o si mi ropa no es apropiada etc.
Para evitar estos preocupaciones es importante tener en cuenta lo siguiente:
- Aprender bien las canciones y hacerlo lo mejor posible.
- Canta las canciones fáciles primero y las menos agudas.
- Tú cantas mejor esta canción que nadie en esta sala porque estás preparado.
- Disfrutar del momento en el escenario.
- Si falla alguna frase o letra da igual, hay que seguir como si no ha pasado nada.
- Haber dormido bien la noche anterior del concierto, y sentirse fuerte físicamente.
- Mantener el contacto con el público y dejarles participar.
- Y lo más importante: Disfrutar este momento.
COMPARACIÓN DE VOCES
He encontrado este ejemplo que ilustra muy bien la diferencia de dos voces famosas. Primero, escuchamos la voz de Mariah Carey, una voz joven con frescura y que con el tiempo por falta de técnica vocal, no mantiene el registro agudo de sus primeros discos. Con los años su voz va sonando con menos calidad y más aireada, obviamente ella busca una voz más sexy pero su voz ha perdido calidad. A mi juicio esto se puede deber a la falta de técnica vocal.
La postura corporal es muy importante, nos fijamos en Mariah, ella se inclina hacia delante en sus agudos, haciendo esto, no tiene la misma fuerza que vemos en Celine Dion que mantiene el cuerpo recto inclinándose un poco hacia tras manteniendo el esternón abierto, así no pierde la calidad en los agudos.
Celine Dion ha mantenido su fuerza y calidad de voz durante toda su trayectoria debido a una buena técnica vocal y apoyo.
[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=VcQAzL9DWaA]
CABALLE Y MERCURY
Aquí escuchamos dos timbres diferentes: Una voz de soprano dramática, Caballé y Mercury con su fuerza y calidad de voz que podría haber cantado cualquier tipo de género.
[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=FqhpUfkfODI]
CABALLE Y MERCURY
Aquí escuchamos dos timbres diferentes: Una voz de soprano dramática, Caballé y Mercury con su fuerza y calidad de voz que podría haber cantado cualquier tipo de género.
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BONO Y PAVAROTTI
Este es un ejemplo de dos tipos de voces masculinas: Bono, cantante ligero y Pavarotti, cantante lírico.
Pavarotti es tenor dramático. Tiene una voz timbrada sin cambio de registro, no usa la voz de falsete. Lo que hace su voz única, es su cálido timbre y su fuerte pasión como cantante lírico.
Bono con su voz ligera también es único en su timbre y personalidad.
Aquí se puede observar la diferencia de timbres de voces y las distintas formas de respirar para una misma canción.
[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=1nizM7a9wlI]
Este es un ejemplo de dos tipos de voces masculinas: Bono, cantante ligero y Pavarotti, cantante lírico.
Pavarotti es tenor dramático. Tiene una voz timbrada sin cambio de registro, no usa la voz de falsete. Lo que hace su voz única, es su cálido timbre y su fuerte pasión como cantante lírico.
Bono con su voz ligera también es único en su timbre y personalidad.
Aquí se puede observar la diferencia de timbres de voces y las distintas formas de respirar para una misma canción.
[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=1nizM7a9wlI]
LOS TIMBRES Y EL TWANG
[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=nONlK1lSi6w]
EL TIMBRE DE LA VOZ
Las vibraciones de las cuerdas vocales produce el tono. Se producen desde las cuerdas vocales y pasan por la boca o nariz. Nuestro timbre de voz depende de la formación de nuestro tracto vocal y la fisonomía de la cara y boca. La regla acústica va en función de si el espacio bucal es grande el timbre es más oscuro, y si es pequeño, la voz es más clara.
Ej: Da una palma con la mano ahuecada y luego estirada para recordar esta regla acústica.
Como el tracto vocal (la laringe, la boca, los labios, la lengua y el paladar) es movible y podemos moverlo en diferentes posiciones, y cambiar nuestro timbre vocal.
Un buen cantante tiene una voz uniforme, la fuerza y timbre homogéneo en todo su registro. Hay que trabajar con la técnica vocal para obtener la perfección de la voz.
CAMBIAR EL TIMBRE EN LA VOZ.
Si tu voz suena infantil y quieres obtener una voz más madura es importante mantener la laringe en su posición baja y tener un buen apoyo en la musculación abdominal (mirar consejos el apoyo).
TWANG
El twang es una técnica para reforzar la voz, y darla más energía. Es una función de sonido metálico. Cuando la apertura del epiglotis se acerca a los cartílagos, se produce un sonido estridente. El twang se oye en el acento americano (sobre todo, acento sureño) y en la musica country.
Ej: Prueba sonar como un pato o un gato (meau).
CÓMO BUSCAR EL TWANG
Abrir mucho la boca y sonreír falsamente.
La laringe sube de posición.
Subir y anchar el paladar, la campanilla sube.
Apoyar bien.
Usar fuerza en el tono.
Prueba a cantar con las vocales I y E
Si duele está mal hecho.
Prueba también a colocar la laringe en posición baja, obtienes un timbre más redondo y oscuro.
Cuando hablamos de bajar y subir la laringe para cambiar el timbre los cambios son pequeños, de lo contrario, se cambia el tono.
En los tonos agudos se sube la laringe y en los bajos se baja.
Si no llegas a los tonos agudos puede depender de que la laringe no está lo suficientemente subida.
LA LENGUA
Si presionamos y hacemos la lengua pequeña se oscurece el tono y el espacio de la bucofaringe se hace más grande. La punta de la lengua se queda abajo en la boca y se curva como una cuchara. Se produce un sonido operístico.
Si ensanchamos la lengua el espacio en la boca se hace más pequeño y se produce un timbre más claro. Los laterales de la lengua se sitúan hacia las muelas superiores. (como decir twang) La punta de la lengua se mantiene abajo
Ej: Practica el twang con la lengua en esta posición, pato)
Recuerda siempre apoyar bien tu musculación y no forzar la mandíbula hacia delante.
LAS FORMAS DE LA BOCA
COMISURAS RELAJADAS
También la forma de la boca puede influir en nuestro timbre. Si cantamos con las comisuras relajadas obtenemos un timbre más oscuro porque el espacio en la boca es mayor.
SONRISA
Si cantamos sonriendo el timbre suele ser más claro porque el espacio bucofaringe es más pequeño. Observa cómo la lengua normalmente se gira hacia las muelas superiores y la laringe sube un poco.
Ej: Entrena las dos posiciones con un tono y luego con escalas.
Para cantar twang con las comisuras relajadas hace falta una buena técnica vocal.
EL PALADAR
El paladar nos referimos al paladar blando, y termina en la campanilla, la parte posterior de la boca.
Si abrimos las fosas nasales, podemos sentir cómo sube el paladar un poco, se estira como una vela y por eso lo llamamos también el velo de paladar. Cuando se sube se aumenta el espacio en la boca y el timbre oscurece. Si bajamos a la vez la laringe, el sonido se oscurece aún más.
Ej: Inspiramos como si tuviéramos que bostezar o si tuviéramos una patata caliente en la boca.
Huele algo con las fosas abiertas, y sientes una sensación de apertura y relajación.
Prueba a cantar subiendo y bajando el paladar primero con un tono y prueba a hacerlo con escalas.
LA NASALIDAD
Algunos cantantes usan el espacio nasal para hacer cambios en su timbre. Si subimos la campanilla hacia la nariz, el tono obtiene un carácter nasal.
Si deseamos un timbre clásico relajamos la campanilla manteniendo el velo de paladar subido. Para encontrar la nasalidad podemos cerrar la nariz con dos dedos y decir ng, n, m. Si no suena nada, el tono es nasal. El paladar está arriba y la lengua bloquea el sonido de la boca, el sonido solo sale por la nariz.
Ej: entrenamos buscar el sonido nasal tapando la nariz y luego abrir. Si no nos gusta un sonido nasal, hacemos siempre este ejercicio cantando las canciones.
Dolly Parton es un ejemplo de twang y nasalidad.
[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=1plvBR02wDs]
Si tienes alguna pregunta o duda escríbeme a marianne_ax @msn .com